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El Color vivo de Lee Krasner en el Museo Guggenheim Bilbao

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Imagen: Sirena (Siren), 1966. Óleo sobre lienzo128,6 x 206,1 cm. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington D.C. The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981, 86.2768. © The Pollock-Krasner Foundation. Fotografía de Cathy Carver, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.

Bilbao,12 de agosto de 2020.

Querida Ofelia:

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Lee Krasner. Color vivo, una retrospectiva dedicada a la artista neoyorquina pionera del expresionismo abstracto, que reúne una amplia selección piezas, algunas nunca antes mostradas en Europa. En la exposición el público comprobará la constante reinvención y exploración que caracteriza a la obra de Lee Krasner (1908-1984) a lo largo de cincuenta años de carrera: desde sus tempranos autorretratos y dibujos del natural, hasta las exuberantes y monumentales obras de principios de la década de 1960, pasando por sus “Pequeñas imágenes” de finales de los 1940 y sus rompedores collages de los 1950.

Nacida en Brooklyn en el seno de una familia inmigrante judía ortodoxa, Lee Krasner decide que quiere ser artista a los 14años de edad. Tras años de esfuerzo en su formación artística, Lee Krasner se convierte en un referente y activo del incipiente Expresionismo Abstracto, un multifacetado movimiento que convierte a Nueva York en el centro del arte en la época de la posguerra.

En 1942 la obra de Lee Krasner se incluye en la exposición de pintura americana y francesa que se celebra en la galería McMillen Inc., junto a la de sus amigos Willem de Kooning y Stuart Davis. El único de los artistas participantes en aquella exposición al que Krasner no conoce es Jackson Pollock, a quien visitará en su estudio y con quien se casará en 1945.

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Lee Krasner rechaza la idea de elaborar una “iconografía de firma”, por parecerle demasiado rígida. La artista trabaja en ciclos y busca continuamente nuevos medios para una expresión auténtica, incluso en sus épocas más difíciles como la que sucede a la repentina muerte de Pollock en un accidente de automóvil en 1956.

RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN

De Lena a Lee

El nombre original de la artista es Lena Krassner, pero en 1922 adopta el más norteamericano “Lenore”, que a su vez se convierte en “Lee” cuando estudia en la Women’s Art School de Cooper Union. De esta primera época son los tres autorretratos ubicados al principio de la exposición. Uno de ellos lo pinta el verano de 1928 en la casa de sus padres en Greenlawn, Long Island, para lo cual clava un espejo en un árbol del jardín y plasma su imagen sobre un fondo boscoso.

Con 19 años, graduada y tras un breve periodo en la Art Students League, se dispone a entrar en la prestigiosa National Academy of Design, esperando que su Autorretrato (Self Portrait), c. 1928 le permita el acceso a la clase de dibujo del natural. Aunque en un principio la academia se niega a creer que el retrato haya sido realizado en el jardín, considerando que era un retrato de interior con el bosque añadido más tarde Krasner protesta y consigue la admisión. En la Academia, la artista batallará contra el enfoque tradicional de la misma y criticará su “ambiente estéril de […] mediocridad congelada”.

Dibujo del natural

La Gran Depresión de la década de 1930 obliga a Krasner a abandonar la National Academy y matricularse en un curso para enseñantes en el City College de Nueva York, donde la formación es gratuita. En paralelo empieza a asistir a clases de dibujo del natural en Greenwich House con Job Goodman, que había sido discípulo del pintor regionalista Thomas Hart Benton y defiende un método clásico de dibujo, inspirado en “maestros” renacentistas como Miguel Ángel. Los cuatro Estudios de desnudo (Studies from the Nude, 1933), que se exponen aquí muestran la desinhibición con respecto a la desnudez de Krasner, que utiliza la barra Conté para subrayar la musculatura del cuerpo del modelo.

En 1937 obtiene una beca para estudiar en la Hans Hofmann School en la calle Nueve Oeste de Nueva York. Hofmann es un modernista alemán que ha vivido y trabajado en París y ha conocido a Picasso y a Matisse, que para Krasnerson “dioses”. Hofmann enseña una versión del cubismo analítico, preocupándose principalmente por la tensión entre el plano y la tridimensionalidad, a la que denomina el “tira y afloja” de una obra. Los seis dibujos que se exponen aquí muestran las primeras incursiones de Krasner en la abstracción.

Escaparates para el War Service

Tras el desplome económico de 1929, el presidente Franklin D. Roosevelt pone en marcha una serie de programas para reconstruir la economía de Estados Unidos. En 1935 crea la Works Progress Administration (WPA) con objeto de crear puestos de trabajo en obras públicas por todo el país para los millones de desempleados. Ese mismo año se funda, patrocinado por la WPA, el Federal Art Project (FAP), que ofrece apoyo a los artistas y financia proyectos que fomentan el espíritu americano y sus valores de trabajo, comunidad y optimismo.

A lo largo de la década de 1930 Krasner colabora en algunos de estos proyectos y en 1942 le encargan la supervisión del diseño y montaje de veinte escaparates de grandes almacenes de Manhattan y Brooklyn, en los que se anuncian cursos de formación para la guerra. La artista acaba de conocer a Jackson Pollock y consigue que asignen a éste a su equipo de proyecto. Krasner decide fotografiar los cursos e integrar las imágenes en sus diseños, junto con una tipografía dinámica y referencias abstractas que sugieren sus intereses artísticos. Aunque estas obras ya no existen, las fotografías de los diseños de los collages originales se proyectan aquí con las dimensiones propias de un escaparate.

Pequeñas imágenes

Cuando Krasner se traslada en el otoño de 1945a Springs, a la granja adquirida gracias al apoyo económico de Peggy Guggenheim a Pollock, está superando un impasse artístico: la muerte de su padre el año anterior le impide pintar otra cosa que lo que ella denomina sus “losas grises”.

Pronto esta inmersión en la naturaleza hace surgir un nuevo tipo de iconografía y Krasner comienza a trabajar en sus “Pequeñas imágenes” (“Little Images”), que son abstracciones vibrantes, semejantes a joyas. En algunas de ellas aplica densas capas de pintura con una espátula, que después trabaja con una brocha dura, mientras que en otras crea una trama de arabescos mediante pintura rebajada con trementina. Ejemplo de estas obras son Color hecho añicos (Shattered Color, 1947), Abstracción nº 2 (Abstract No. 2, 1947), y Sin título (Untitled, 1947).

En esta sala se presenta Mesa de mosaico (Mosaic Table, 1947) que la artista realiza partiendo de la rueda de un viejo carromato que se encontraba en la granja e incorporando elementos como teselas desechadas, fragmentos de bisutería, llaves, monedas y trozos de cristal.

Stable Gallery

Tras sus “Pequeñas imágenes”, en 1950 Krasner empieza a trabajar para su primera exposición individual, que se inaugurará en la Betty Parsons Gallery en octubre de 1951. Para la ocasión, crea14 obras abstractas geométricas plasmadas en colores suaves y luminosos, que obtienen buenas críticas, pero no son consiguen ser vendidas. La artista, decepcionada, empieza a trabajar en una serie de dibujos en blanco y negro, que va clavando en las paredes del estudio desde el suelo hasta el techo, con la esperanza de que le sugieran una nueva orientación. Un día entra en el estudio, decide que “no los puede soportar” y los rompe. Incapaz de volver al estudio durante varias semanas, cuando lo hace descubre sorprendida que allí hay “un montón de cosas que empiezan a interesarme”.

Los restos de papeles rotos son el punto de partida de una serie de collages, que pega sobre doce de los lienzos de la exposición de la Betty Parsons Gallery. Incorpora trozos de arpillera, hojas de periódico rotas y papel fotográfico, así como algunos de los dibujos de Pollock que éste había desechado, añadiendo a todo ello algunas pinceladas de pintura. Todas estas obras de grandes dimensiones como Luz hecha añicos (Shattered Light, 1954), Charla de pájaros (Bird Talk, 1955), Águila calva (Bald Eagle, 1955) y Asclepia (Milkweed, 1955), se exponen en septiembre de 1955 en la Stable Gallery de Eleanor Ward.

Profecía

En el verano de 1956, en un momento complicado en su relación con Jackson Pollock, Krasner pinta Profecía (Prophecy), una obra que no se parece a ninguna de las anteriores, y en la que dominan las formas ondulantes, carnosas, enmarcadas en negro y con toques de rosa que subrayan la iconografía corporal. La propia artista comenta que el cuadro le “inquieta enormemente” y se queda en el caballete cuando ella parte sola en un viaje a Francia. El 12 de agosto, recibe una llamada telefónica en la que se le comunica que Pollock ha fallecido en un accidente de tráfico. Pocas semanas después, Krasner retoma los pinceles y crea tres obras que continúan la serie comenzada con Profecía: Nacimiento (Birth), Abrazo (Embrace) y Tres en dos (Three in Two). Dos de estos lienzos, Nacimiento y Tres en dos, están presentes en la exposición y parecen ser agitados paisajes animados por oscuras fuerzas psicológicas. Preguntada por su decisión de ponerse a pintaren medio del dolor, las palabras de Krasner son: “Pintar no es algo ajeno a la vida. Es la misma cosa. Es como si me preguntan si tengo ganas de vivir. Mi respuesta es sí y por eso pinto”.

Viajes nocturnos

En 1957 Krasner decide instalarse en el estudio de Pollock, en el granero de Springs, lo que le permite trabajar en obras de dimensiones hasta entonces implanteables, clavando directamente en la pared los lienzos sin bastidor. Como por aquel entonces padece insomnio crónico, trabaja por la noche y decide restringir su paleta a los colores blanco y tierra tostada, pues no le gusta aplicar el color con luz artificial. La elección del tono terroso umbra confiere a sus obras una calidad orgánica, mientras que las finas capas de pintura hacen que permanezca fiel a su “impulso original”.

Su amigo el poeta Richard Howard bautiza estas obras como sus “Viajes nocturnos”, y la propia Krasner explica que algunos títulos como Asalto al plexo solar (Assault on the Solar Plexus, 1961), eran “embarazosamente realistas […]. Había tenido un encontronazo con Greenberg, mi madre había muerto […]. Fue una época muy dura”. El encontronazo al que hace referencia se debe a que el influyente crítico de arte Clement Greenberg decide cancelar una exposición que estaba organizando de Krasner porque no le gusta el rumbo que ha tomado su pintura. En lugar de abandonar la serie, la pintora se lanza de lleno y expone las obras resultantes en la Howard Wise Gallery en 1960 y 1962, recibiendo una notable acogida.

Serie primaria

A principios de la década de 1960, Krasner permite que el color vuelva a estallar en sus cuadros. Al igual que sus “Viajes nocturnos”, Otra tormenta (Another Storm, 1963) tiene una paleta reducida, pero el color umbra ha dado paso a un carmín de alizarina más luminoso. Cuando Krasner se rompe el brazo derecho, aprende a manejar la mano izquierda, aplicando la pintura directamente del tubo y utilizando los dedos de la mano derecha para dirigir los movimientos. De este modo crea obras más táctiles, como A través del azul (Through Blue,1963) e Ícaro (Icarus, 1964). En los años siguientes, el gesto de Krasner se hará más suelto, más caligráfico, con atrevidas formas en tonalidades disonantes.

Los colores que utiliza Krasner en esta serie resultan exuberantes, en referencia a Matisse, su héroe artístico, que había declarado que “con el color se obtiene una energía que se diría que procede de la brujería”. La confianza de la que la artista hace gala durante esta época se debe tal vez a la exposición individual que le organiza el comisario Bryan Robertson en la Whitechapel Gallery de Londres en 1965; essu primera exposición en una institución pública y obtiene unas críticas muy positivas. Dibujos de la serie primaria Para Krasner, cada cuadro tiene que surgir auténticamente desde dentro, de modo que nunca realiza bocetos preparatorios. Sin embargo, en 1968 se hace con un lote de papel elaborado a mano por el artesano local Douglass Howell, y decide utilizarlo para un nuevo corpus artístico, experimentando con la sencillez de utilizar uno o dos pigmentos puros: “Tenía unas ganas locas de hacer aquello y se vendieron en un santiamén”. La exposición presenta catorce de estas obras.

Palingenesia

A principios de la década de 1970, Krasne revoluciona, pasando de las suaves formas biomórficas de sus últimas obras a unas composiciones abstractas con elementos más recortados. Se ha ganado su reputación como colorista con la exposición de 1955 en la Stable Gallery y con su más reciente “Serie primaria”, pero en este momento su obra tiene una energía más reposada. Como observa la historiadora del arte Cindy Nemser, da la impresión de que aquellos nuevos cuadros son “expansivos, aunque contenidos […] regios y de lentos movimientos”.

Expuestos en primer lugar en la Marlborough-Gerson Gallery, los cuadros forman un destacado conjunto en la exposición Lee Krasner: Large Paintings (Lee Krasner: Obras de gran formato), comisariada por Marcia Tucker y celebrada en el Whitney Museum of American Art en 1973; es la primera gran muestra individual de su obra en una institución pública en Nueva York, su ciudad natal. Los cuadros dan fe de la fuerza creativa de Krasner, incluso en la última etapa de su carrera. Palingénesia (Palingenesis, 1971), el lienzo de mayores dimensiones en este espacio, toma su título de la palabra griega que significa “nacer de nuevo”, un concepto fundamental en la práctica de Krasner. Como explica la artista en una entrevista con la comisaria Barbara Rose, “evolución, crecimiento y cambio prosiguen. El cambio es vida”.

Once maneras

En 1974 Krasner encuentra una vieja carpeta con dibujos realizados por ella cuando estudiaba en la escuela de Hans Hofmann, y decide utilizarlos como materia prima para una nueva serie de collages: los corta con tijeras en formas angulares, y los dispone en dinámicas composiciones sobre el lienzo, a modo de espejo de la geometría de los dibujos originales. Incorpora así mismo las imágenes espectrales que aparecen en el reverso de algunas de las hojas y deja otras zonas del lienzo sin trabajar, reflejando el espacio vacío alrededor del modelo desnudo. Los collages se exponen en la Pace Gallery en 1977 bajo el título colectivo “Eleven Ways to Use the Words to See” (“Once maneras de utilizar las palabras para ver”), titulando cada obra con una forma verbal diferente, como Pretérito imperfecto de indicativo (Imperfect Indicative, 1976), Imperativo (Imperative, 1976) y Futuro de indicativo (Future Indicative, 1977). Numerosas reseñas se centraron en el ingenioso uso de una obra previa con tanta carga emocional, y Art in America comentó que “la energía [de los dibujos] se ve recargada por la energía de esta reelaboración, que por un lado los idolatra, como tantos otros trofeos, y por otro lado los rechaza como parte de un pasado mediocre.”

Lee Krasner fallece el 19 de junio de1984, recibiendo al final de su vida el reconocimiento que tanto se merecía. Sin embargo, ella misma reconoce que, en determinados aspectos, el hecho de que se le hubiera ignorado había sido una “bendición”. Liberada de una gran presión crítica y del control de una camarilla de marchantes y coleccionistas, Krasner crea las obras que se ve impulsada a hacer fluyendo a su antojo con cada nueva corriente, sin verse nunca obligada a repetirse. Esta exposición ha sido posible gracias al apoyo de la Terra Foundation for American Art.

Lee Krasner. Color vivo

●Fechas: 18 de septiembre 2020 –10 de enero 2021.

●Comisarias: Eleanor Nairne, Barbican Art Gallery y Lucía Agirre, Museo Guggenheim Bilbao.

●Exposición organizada por el Barbican Centre de Londres en colaboración con el Museo Guggenheim de Bilbao.

Un gran abrazo desde la culta Bilbao,

Félix José Hernández.

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