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El Ministerio de Cultura adquiere obras para el Museo Reina Sofía por un valor de 370.000 euros

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Madrid, 13 de marzo de 2022.

Querida Ofelia,

En total, 16 obras de 15 artistas, 10 de ellos españoles.

La Comisión Permanente del Real Patronato del Museo Reina Sofía, tras la reunión mantenida a primera hora de la mañana de hoy, ha aprobado la adquisición de un conjunto de obras que serán asignadas por el Ministerio de Cultura y Deporte a la Colección de este Museo. El valor global de las 16 obras que engrosarán los fondos del Reina Sofía asciende aproximadamente a 370.000 euros que han sido aportados por el Ministerio. Corresponden a 15 artistas, la mayoría españoles, algunos de trayectoria consolidada. Entre los trabajos adquiridos encontramos todo tipo de manifestaciones artísticas, desde la instalación o la fotografía pasando por el vídeo, la pintura o la escultura. Un conjunto de obras que en esencia viene a fortalecer algunas de las principales líneas de fuerza de la Colección del Museo Reina Sofía.

ARTISTAS ESPAÑOLES

El vídeo-documento Tengo tiempo (1994) de Miguel Benlloch (Loja 1954-Sevilla 2018) registra una de sus acciones más icónicas, presentada en The Kitchen, Nueva York, en la que el artista, en una especie de ritual íntimo, se desviste quitándose lentamente las numerosas prendas que cubren su cuerpo, hasta quedar desnudo frente al público. Una acción que reflexiona sobre el cuerpo como objeto cultural, como contenedor de tiempo y acumulador de las experiencias que construyen la identidad, a la vez que cuestiona la identidad sexual como construcción sociocultural y las definiciones categóricas que la clasifican. El trabajo de Benlloch, performancero, poeta y activista político español, no está aún representado en el Reina Sofía conforma un espacio singular para leer y entender el desarrollo del arte y el activismo en el cambio de siglo en España.

Treinta y seis fotografías en blanco y negro componen la serie El expreso Antifascista (1936), Antoni Campañà (Arbúcies, 1906-Sant Cugat de Valles, 1989) que documenta el proceso de realización de pintadas con mensajes políticos en trenes españoles por parte de artistas antifascistas que en su día recorrieron los territorios que todavía no habían sido tomados por el bando sublevado. Las fotografías realizadas durante la Guerra Civil quedaron ocultas en la llamada “caja roja”, descubierta por sus sucesores en 2018.

Algunas fotografías de estos años verían la luz en publicaciones como La Vanguardia o Solidaridad Obrera, e incluso una de ellas sirvió como base para un fotomontaje de John Heartfield de 1937.

Llegar a casa en los años cuarenta, cincuenta, sesenta y setenta, en Madrid, a veces decorado, (2012- 2020), de la artista española de origen venezolano Patricia Esquivias (Caracas, 1979), es una instalación compuesta de fotografías en color, colgadas de un biombo de forja, que documentan portales de esas décadas, imágenes que pretenden capturar la esencia de un tiempo que se escapa, en el que el ornamento tenía una función de distinción y configuración de modos de estar en el mundo. Las fotografías, que Esquivias empezó́ a tomar en 2012, están instaladas en biombos de hierro que reproducen un diseño muy habitual en las rejas de muchos comercios madrileños. La serie de imágenes surge de su interés por los acabados en las fachadas de los edificios de la capital que se trabajan de un modo decorativo. Esquivias construye un archivo que nos invita a fijar la mirada en esos elementos arquitectónicos cercanos que conforman nuestro imaginario cotidiano y que, muchas veces, por su carácter humilde, nos pasan desapercibidos.

Eva Fàbregas, (Barcelona, 1988) nacida en Barcelona y residente en Londres, explora el erotismo de los objetos y los mecanismos de la ingeniería del deseo. Sus últimas esculturas emplean la cultura del bienestar, la relajación, el psicodrama o las subculturas terapéuticas en las redes sociales para sugerir una reflexión sobre la relación sujeto-objeto. Su última serie de esculturas, en las que están incluidas Vessels #1 y Shedding #14, (2021) adquiridas ahora para el Museo Reina Sofía, está compuesta por formas redondeadas, de colores vivos y de apariencia dura (pero suaves), que hacen pensar en órganos sexuales o en úteros. Se trata de formas esféricas creadas con látex, resina y tejidos sintéticos que muestran aperturas de las que parece fluir un elemento líquido, creaciones que podrían aludir a la maternidad. Fàbregas ha mostrado su obra en importantes instituciones de dentro y fuera de España.

La obra Celda 158, proyecto para cárcel abandonada (2009- 2010), de Patricia Gómez y María Jesús González (Valencia, 1978 /Valencia, 1978) es un Libro de ejemplar único con fotografías, impresiones ink-jet sobre papel de algodón y arranques de pared sobre tela transparente, realizado a partir de la propia puerta de hierro de una celda, que ha sido transformada en una caja-contenedor. Desde 2002, la pareja de artistas aborda la relación entre memoria, tiempo y espacio mediante un proceso de extracción de las huellas dejadas en muros de estructuras arquitectónicas abandonadas y/o condenadas a la demolición. Celda 158 forma parte de un proyecto realizado en la antigua cárcel Modelo de Valencia que busca rescatar la memoria y documentar el valor simbólico y patrimonial impreso en los muros de la histórica prisión, vacía desde 1993. La obra de la pareja de artistas forma parte de importantes colecciones y es la primera que entra en la del Reina Sofía.

Federico Guzmán (Sevilla, 1964) es el autor de Tuiza, (2015) una instalación a modo de Jaima compuesta por melhfas pintadas, telas triangulares de benia para el techo, colchonetas, alfombras y mobiliario, todo ello acompañado de un archivo de las actividades de la Tuiza (disco duro con fotografías y vídeos). Esta estructura efímera, que se produjo en 2015 para la exposición Tuiza, organizada por el Reina Sofía y fue expuesta en el Palacio de Cristal, es una de las obras más representativas del artista. El activismo y las investigaciones de Federico Guzmán en torno a la antropología saharaui articulan muchos de sus últimos trabajos. La iconografía de las telas incluye referencias a elementos saharauis que hablan de las tradiciones de la jaima y de los valores de la comunidad, valores que, según el artista son, “lo opuesto al expolio, a la dominación, al pillaje, a todos los valores negativos en que se basa la explotación”.

La obra Amnistía (1976) de Agustín Ibarrola fue realizada expresamente para la exposición Spagna, avanguarda artística e realtá sociale, 1936-1976 dedicada a España en la Bienal de Venecia de 1976. La relevancia histórica de este cuadro va más allá de la importancia del autor vasco pues se le había perdido el rastro sin poder volver a ser exhibido desde entonces. El que salga ahora a la luz supone una valiosa recuperación para la historia del arte español. Al formar parte de la exposición Poéticas de la democracia, organizada por el Museo Reina Sofía, ha constituido una pieza clave para el estudio de la transición española, desde una óptica artística, cultural y socio-política. Amnistía representa la expresión de las reivindicaciones del primer posfranquismo, de denuncia de la dictadura y alude al contexto de los albores de la Transición.

De Concha Jerez, (Las Palmas de Gran Canaria, 1941), una de las artistas más destacadas del arte experimental y conceptual español, se ha adquirido la obra Medida (1983-1986), una instalación compuesta por seis piezas de madera que sirve para incidir en los conceptos de división y repetición y hacen referencia a la idea de la autocensura, la interioridad y la afectación personal de las actitudes auto represivas. De esta temática existen dos de sus piezas en la colección del Museo por lo que esta nueva adquisición viene a completar su representación, así como la presencia de una artista esencial para el periodo de la transición de la dictadura a la democracia en nuestro país.

De Antoni Miralda (Terrassa, Barcelona, 1942) una de las figuras más relevantes del arte conceptual español, se ha adquirido Wheat & Steak Sacos, (1981): calcografía sobre tres sacos de arpillera, lino y poliéster. La pieza es ilustrativa de una de sus temáticas más recurrentes: la comida. En su origen fue una acción realizada en Kansas en 1981, coincidiendo con la feria anual de granjeros americanos que se desarrolló en tres acciones: un desfile por la ciudad, la exposición en la Nelson Atkins Museum y la instalación y ceremonia Gold Taste en la Kansas City Board of Trade. Uno de los elementos destacados del desfile, que finalizaba en la Nelson Art Gallery, fue la carroza del Tri-Uni-Corn producida con fibra de vidrio y que presentaba la escultura de un buey, un cerdo y un cordero montados uno encima de otro, que se incorpora en 2010 a la colección del Museo Reina Sofía, donde se exhibe de manera permanente en la terraza de Nouvel; Las tres piezas que componen Wheat & Steak, Sacos, 1981 hacen referencia al Banquete de la Cosecha, un festejo tradicional para celebrar el final de la recolección. Los tres sacos completan los elementos que figuraron en la citada instalación, y fueron transportados como estandartes.

ARTISTAS EXTRANJEROS

La obra de Maria Thereza Alves (São Paulo, 1961) Uma Possible Reversal of Missed Opportunities (2016) fue producida para la 32ª Bienal Internacional de São Paulo. Alves organizó tres talleres con pueblos originarios con el objetivo de imaginar un futuro descolonizado para el país. Junto a un grupo de universitarios indígenas, produjo 3 carteles para congresos ficticios sobre diversos temas de actualidad, cuyas fechas sugieren que ya se han realizado. A través de los carteles, promueve una discusión en torno a aspectos del saber autóctono ignorados por las instituciones de Brasil y sus investigadores no indígenas. Esta artista, de trayectoria consolidada, aborda en su trabajo cuestiones sobre el territorio, el patrimonio cultural y la historia de la colonización. De trayectoria consolidada, Alves ha expuesto su trabajo en importantes instituciones internacionales y también se encuentra representado en prestigiosas colecciones; a partir de ahora también en el Museo Reina Sofía.

Have You Ever Killed a Bear? or Becoming Jamila (2014) es un vídeo de Marwa Arsanios (Beirut, 1978) artista y cineasta que investiga la política de mediados del siglo XX desde una perspectiva contemporánea, con especial atención a las relaciones de género, el urbanismo y la industrialización. Parte de su trabajo se centra en crear conciencia sobre los problemas ambientales que afectan a la ciudad de Beirut, donde reside actualmente. El vídeo adquirido fue realizado tras una performance cuyo punto de partida es una indagación sobre la luchadora por la libertad argelina Jamila Bouhired, activista del Frente de Liberación Nacional (FLN). La investigación se centra en las diferentes representaciones de Jamila en el cine, así como en su asimilación y promoción en la revista cultural egipcia Al-Hilal (La Media Luna) durante las décadas de 1960 y 1970. El video también intenta mirar la historia de los proyectos socialistas egipcios y las guerras anticoloniales de Argelia, y, a través de la figura de Jamila, la forma en que han promovido y marginado los proyectos feministas. Arsanios ha expuesto su trabajo en importantes muestras e instituciones internacionales.

Banderas en tu corazón (2021), de la artista multidisciplinar de trayectoria consolidada Cecilia Bengolea (Argentina 1979), es una obra constituida por 4 estandartes de lenticular y madera. A partir de la técnica del lenticular la artista invita al espectador a moverse para descubrir nuevas formas, al mismo tiempo que parece una incitación a manifestarse. La obra habla de la defensa de un mundo más sensible a los cambios climáticos y de la relación entre las especies. En general, Bengolea traslada la práctica antropológica alrededor de la danza comunitaria contemporánea y arcaica a través del vídeo, la escultura, el dibujo y la instalación. Su interés gira alrededor de la relación del hombre con la naturaleza, los elementos y creencias animistas y la figuración coreográfica. Sus composiciones, inspiradas en las energías simbólicas de la naturaleza y en las relaciones empáticas, giran en torno a la idea del cuerpo como medio, tanto individual como colectivo.

Dos de las siete piezas que conforman La serie Natural Histories of Struggle, Rhizome y The Wilderness (2021), realizadas en colaboración con RJ Fernandez y Henry Caceres, del artista multimedia filipino Cian Dayrit (Manila, 1989) formarán a partir de ahora parte de la colección del Reina Sofía. Son obras textiles basadas en el archivo del zoólogo y administrador colonial estadounidense Dean Conant Worcester. Las fotografías del científico son impresas sobre telas y bordadas con textos, emblemas y adornos, abriendo así las fotografías de archivo originales como un escenario para replantear las relaciones de poder e inscribir narrativas contrarias dentro de la historia colonial de Filipinas. Los proyectos del artista multimedia filipino Cian Dayrit (Manila, 1989) resultan de gran interés para los discursos poscoloniales. Su exploración se vincula al contexto del colonialismo en Filipinas y en su trabajo refleja su interés por la etnografía, arqueología y la historia política de Filipinas.

De Santiago Yahuarcani (Pucaurquillo, Perú, 1960) se ha adquirido El hombre corazón de piedra, el boom del caucho en la amazonia en el siglo xx, (2019), obra que refleja, entre otras de su producción, el sufrimiento indígena y la explotación humana con el boom del caucho, impactando la memoria nacional del Perú. Yahuarcan es artista visual y líder indígena de los Uitoto, comunidad nativa de la Amazonía peruana y colombiana. Su obra gira en torno a las ontologías amazónicas y las políticas que amenazan a estas poblaciones. Su producción artística representa la vida, historia y tradiciones de su etnia. Al mismo tiempo, obras como Su obra forma parte de prestigiosas colecciones (Museo Van Abbe, Eindhoven, Holanda; Museo de Arte de Lima, Perú; entre otras), y hasta el momento no estaba presente en la colección del Reina Sofía.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

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